Wege zu Mozart & Gefährliche Liebschaften
 
Was geschieht, wenn sich Hass, Missgunst und Eifersucht in die Liebe zweier Menschen mischen? Wenn die lichte Seite im Menschen auch eine dunkle in sich trägt?

Die Oper beginnt auf der Kehrseite der Liebe, auf der Seite des Bösen und mit der Verwirrung der üblichen Ordnung. Die böse Zauberin Arcabonne gesteht mit Scham, ein für sie unvertrautes Gefühl zu empfinden: die Liebe für den Ritter Amadis, der ihren Bruder ermordet hat. Nun entspinnt sich ein Psychogramm vierer Figuren in zwei Paaren: dem bösen Geschwisterpaar Arcalaus & Arcabonne auf der einen und der Prinzessin Oriane und Ritter Amadis auf der anderen Seite. Gefangen zwischen Tötungstrieb und Begehren sät Arcabonne angestachelt durch ihren Bruder Arcalaus zwischen den beiden Liebenden Unfrieden, Zwietracht und Misstrauen und bewirkt deren Entzweiung. Oriane wendet sich im Fortgang von ihrem Geliebten Amadis ab, weil sie ihn enttäuscht der Untreue bezichtigt. Amadis hingegen fühlt sich unverstanden und zurückgewiesen.

Die Handlung ist einfach, ein klassischer Ritterroman, mit Drachen, Zauberern, Rittern und einer befreiten Prinzessin. Aber die wahre Handlung ist bei Johann Christian Bach nicht die sichtbare. Es ist die fortschreitende Veränderung der beiden Personen Amadis und Oriane, deren innere Wandlung zum eigentlichen Sujet der Oper wird. In Prüfungen, wie in der Zauberflöte, wohnt der Zuschauer der Entwicklung eines idealen Mittlerpaares bei.  
Warum aber fiel die leichtfüßige Oper – wie ein frischer, früher Mozart klingend – bei ihrer Uraufführung in Paris durch? War die Zeit noch nicht reif für eine solche Musik, war es die Unentschiedenheit zwischen italienischer und französischer Operntradition oder war es der Rückgriff auf ein traditionelles Sujet? Die Oper Amadis de Gaule des jüngsten Sohnes von Johann Sebastian Bach, der wie Händel in London Karriere machte und als Komponist und Konzertveranstalter das Publikum in seinen Bann zog, legt den Finger in die Wunde des Pariser Opernpublikums im vorrevolutionären Jahr 1779: Es ist die Kritik an Wollust und Gier, an Hass und Missgunst, an Oberflächlichkeit und Heuchelei, die hier vor Augen geführt wird und für die der Opernbetrieb Sinnbild ist.  Es ist eine der ersten aufklärerischen Opern für ein bürgerliches Publikum, die Oper aber war im Jahr 1779 noch ein Forum des Adels. So werden denn auch, als 10 Jahre später die Revolution losbricht, die Opernhäuser symbolhaft durch das revoltierende Volk geschlossen.
 
Die Liebe hingegen, die die böse Zauberin empfindet, trägt den Tod in sich. Und so stirbt, weil sie Amadis nicht lieben und nicht töten kann, die Zauberin Arcabonne den ersten Liebestod in der Geschichte der Oper. Am Ende aber siegt das Erhabene, die göttliche, reine Liebe der beiden Protagonisten Oriane und Amadis. Sind es aber wirklich zwei Paare gewesen oder doch eher ein einziges Paar in zwei Bildern?

Ein drittes Mal kehren Pianist Kit Armstrong und Dirigent Jan Caeyers mit ihrem gefeierten Projekt BEETHOVEN27 in die Elbphilharmonie zurück – mit einem Programm an der Schwelle zwischen Klassik und Romantik. Im Zentrum stehen Beethovens 5. Klavierkonzert und die 7. Sinfonie – Werke, in denen er die Grenzen der Orchestersprache neu definiert. Dazwischen erklingt die Klaviersonate Nr. 26, ein persönliches Abschiedswerk voller innerer Dramatik. Wie in allen Konzerten eröffnet Armstrong mit Bach – mit einem Präludium und einer Fuge aus dem Wohltemperierten Klavier. Denn Johann Sebastian Bach und insbesondere Carl Philipp Emanuel Bach bereiteten Beethovens musikalisches Denken entscheidend vor. Über Bach sagte Beethoven ehrfürchtig: „Nicht Bach sollte er heißen, sondern Meer.“ Dieses Brückenkonzert schlägt zugleich die Brücke zum 5. Internationalen Bachfest 2027, welches neben Bach und seinen Söhnen Beethoven anlässlich seines 200. Todestages in den Fokus rückt.

In seinem Konzert interpretiert Allhoff Bachs Musik mit emotionaler Tiefe und künstlerischem Freiraum, verzichtet jedoch auf Improvisation und bleibt den Kompositionen treu – und doch ganz persönlich. Im Dialog mit Murakamis literarischen Texten entsteht ein spannendes Wechselspiel zwischen barocker Strenge und moderner Erzählkunst, zwischen mathematischer Perfektion und purer Emotion.
Ein Abend, der Bachs Musik in neuem Licht erscheinen lässt und zeigt, wie sehr sie bis heute in Literatur, Jazz und Popkultur nachhallt.

Johann Sebastian Bach ist heute vor allem als der Schöpfer von Kirchenkantaten, Passionen und geistlichen Meisterwerken bekannt. Doch der Leipziger Thomaskantor war weit mehr als nur ein frommer Musiker: Er hat für festliche, höfische und universitäre Anlässe prachtvolle und dramatische Werke hinterlassen. Zwei besonders farbenreiche Beispiele dieses ganz und gar weltlichen Bach, der seine berufliche Zeit als Hofkapellmeister am Hof des Fürsten von Sachsen-Anhalt in Köthen als die glücklichste seines Lebens bezeichnete, stehen im Abschlusskonzert des IV. Internationalen Bachfest Hamburg im Mittelpunkt.

Der zufriedengestellte Aeolus ist ein „Dramma per musica“, in welchem der Gott der Winde, Aeolus, in seiner Ruhe gestört wird und in dem der Windgott mit Pauken und Trompeten, stürmischen Chören und virtuosen Arien eindrucksvoll in Szene gesetzt wird. Die Handlung ist allegorisch, die Musik prächtig: Personifikationen der Luft, des Donners, der Jahreszeiten und der Vernunft treten gegeneinander an bis schließlich Pallas Athene den aufgebrachten Aeolus besänftigt. Bach nutzt hier die Gelegenheit, das ganze orchestrale Farbenspektrum auszuschöpfen: vom aufbrausenden Sturm bis zum sanften Windhauch. 

Vier Jahre später, 1729, komponierte Bach Der Streit zwischen Phoebus und Pan. Auch dieses Stück ist ein „Dramma per musica“, doch der Ton ist noch pointierter, der Witz noch schärfer. Die Handlung ist dem antiken Mythos entlehnt: Phoebus (Apollo), Gott der Künste, und Pan, der ländliche Hirten- und Flötengott, wetteifern, wer der bessere Musiker sei. König Midas soll das Urteil sprechen – und entscheidet sich, fatalerweise, für Pan. Die Folge: Midas wird von Phoebus mit Eselsohren bestraft.

Unter der humorvollen Oberfläche steckt eine ernste Frage: Was ist „gute Musik“? Bach und sein Lieblingstextdichter Christian Friedrich Henrici, der unter dem Pseudonym Picander schrieb, spielen mit dem Gegensatz von kunstvoller, gelehrter Komposition (Phoebus) und volkstümlichem, schlichten Musizieren (Pan). Bach ergreift – wenig überraschend – Partei für die Kunst, aber nicht ohne Augenzwinkern: Die Musik für Pan ist bewusst „einfach“ und derb, die für Phoebus elegant und virtuos. So entsteht ein musikalisches Streitgespräch, das bis heute charmant und geistreich wirkt.

Was wäre gewesen, wäre Bach vom Protestantismus zum Katholizismus konvertiert und hätte – statt Johann Adolf Hasse – die Position als Hofkapellmeister am Dresdner Hof von August dem Starken bekommen. Das Dresdner Hofopernhaus mit seinen 2000 Plätzen zählte damals zu den größten europäischen Opernhäusern. Vielleicht hätte Bach möglicherweise Georg Friedrich Händel als Barockopernkomponist sogar noch übertroffen ...

„Bach ist Anfang und Ende aller Musik“, schrieb Max Reger – und kaum ein Satz beschreibt treffender die zeitlose Strahlkraft dieses Komponisten. Sein Klangkosmos ist unerschöpflich, seine Musik berührt Generationen – und kreist sogar durchs Universum: Auf den Voyager Golden Records, die 1977 ins All geschickt wurden, finden sich drei Bach-Aufnahmen, darunter Einspielungen unter der Leitung von Karl Richter, anlässlich seines 100. Geburtstags die CPE.Bach.Akademie.Hamburg ein ganzjähriges Internationales Bach.Netzwerk.Festival initiiert hat.

Ferne Galaxien, Sternennebel, schwarze Löcher – das Weltall so nah wie nie! Auf einer großen Leinwand erstrahlen gestochen scharfe NASA-Aufnahmen, während die deutsch-japanische Pianistin Mona Asuka ausgewählte Werke von Johann Sebastian Bach interpretiert – mal kraftvoll, mal zart, immer überraschend. Bild und Musik verschmelzen, der Blick schweift ins Unendliche, und plötzlich wirkt Bach so modern wie nie.

„Bach in Space“ ist eine faszinierende Reise durch Raum und Zeit – poetisch, zeitlos und von überwältigender Schönheit. Zusammen mit der Aufführung von Bachs weltlichen Kantaten im Abschlusskonzert am 17.4. in der Laeiszhalle bildet dieser Abend den glanzvollen Abschluss des 4. Internationalen Bachfestes Hamburg: Universum Bach & Mit Bach im Universum.

Lyonel Feininger (1871-1956) kam 1887 zusammen mit seinen Eltern mit der Amerika-Linie von New York nach Deutschland. In Hamburg, seinem ersten Anlaufpunkt für seine künstlerische Ausbildung, besuchte Feininger die Kunstgewerbeschule Hamburg bevor er 1888 an die Königliche Akademie der Künste in Berlin wechselte und 1921 als Leiter der Grafischen Werkstatt ans Bauhaus Weimar kam. Ursprünglich hatte er Violine studieren wollen… 

Das Bachfest-Spezialprojekt 2026 Die Kunst der Fuge widmet sich diesem Künstler im Rahmen einer kleinen Ausstellung mit Vortrag. Der Kunsthistoriker und Feiniger-Spezialist Ulrich Luckhardt spricht zu Feiningers 70. Todesjahr über dessen Hamburg-Bezug, seine synästhetische Grundbildung und vielseitige Interessen, seine musikalischen Bestrebungen, Violine zu studieren und über seinen am Ende doch ganz anderen Weg. Feininger, der als Autodidakt neben Johann Sebastian Bachs Die Kunst der Fuge auch dessen Wohltemperiertes Klavier studiert und analysiert hatte, komponierte zwischen 1921 und 1926 selbst 13 Fugen. Seine Kunst war stark von musikalischen Strukturen inspiriert, was sich auch bildlich in Werktiteln wie Fuge in Rot widerspiegelte. Feiningers intensive Beschäftigung mit Johann Sebastian Bach ist eine Folge der Bach-Renaissance des 19. Jh., die durch den Hamburger Felix Mendelssohn-Bartholdy eingeleitet wurde. 

Eine Führung durch die Musikmetropole Hamburg: Bach, Barock & Co.

Wussten Sie, dass Hamburg der Sehnsuchtsort der Bach-Familie war? Und das erste bürgerliche Opernhaus Deutschlands hatte? Dass der junge Georg Friedrich Händel hier seine Opernkarriere begann? Und dass Carl Philipp Emanuel Bach in der Krypta im Michel ruht?

Begleiten Sie uns auf einem besonderen Stadtrundgang durch Hamburgs reiche und oft vergessene Musikgeschichte. Erleben Sie die Orte, an denen Georg Philipp Telemann, Carl Philipp Emanuel Bach, Georg Friedrich Händel und viele andere bedeutende Persönlichkeiten wirkten. Den musikhistorischen Spaziergang rundet am Ende ein Besuch der Orgelandacht in der Hauptkirche St. Michaelis ab.

Explorativ durch Raum und Zeit  

Nach dem fulminanten Auftritt beim letzten Internationalen Bachfest Hamburg kehrt das SPIIC+ Ensemble zurück auf die Bühne der JazzHall und begibt sich ausgehend von der Musik CPE Bachs auf den zweiten Teil seiner explorativen Reise durch Zeit und Raum. Und damit gleichzeitig auf die Suche nach neuen Wegen, Tradition, Moderne, Gegenwart und Avantgarde in einen zeitgemäßen Dialog und eine ko-kreative musikalische Praxis zu überführen, bei der die tradierte Trennung von Komposition, Improvisation und Performance überwunden und in einem ganzheitlichen Sinne neu gedacht und praktiziert wird. Dabei werden in diesem Jahr auch wieder spannende technologische Klangschöpfungen aus den Laboren des ligeti zentrums zu hören sein. 

Das Akronym SPIIC+ steht für Social Performance, Interdisciplinary Improvisation & Creativity und ist ein Teilprojekt des ligeti zentrums / creative research lab., das unter der Leitung von Vlatko Kučan Improvisation als eigenständige Position im Sinne einer grundlegenden ethischen Haltung, als soziale Interaktionsgestaltung und als eine universelle kreative Methode versteht und untersucht. Dabei spielt das aus Studierenden verschiedener Studiengänge zusammengestellte SPIIC+ Ensemble eine zentrale Rolle – und ist seit seiner Gründung im Jahre 2018 an zahlreichen Projekten, Konzerten und Festivals beteiligt gewesen und hat dabei internationale Resonanz erfahren. In 2026 wird es u.a. im Rahmen der in Hamburg stattfindenden „International Computer Music Conference / ICMC“ zu hören sein. 

Vor der eindrucksvollen Kulisse des im Stile des Historismus, der italienischen Neo-Renaissance errichteten Hamburger Rathauses lädt das Polizeiorchester Hamburg, eines der ältesten professionellen Polizeiorchester der Welt, erstmals zu einem Open-Air-Konzert im Rahmen des Internationalen Bachfestes Hamburg ein – Bach für alle Menschen und das mitten im Herzen der Stadt. Der Rathausmarkt, nach italienischem Vorbild 1842 angelegt und dem Markusplatz in Venedig nachempfunden, ist heute einer der beliebtesten Veranstaltungsorte Hamburgs. Nach seiner bewegten Geschichte, der Umbenennung in der NS-Zeit und der Neugestaltung in den 1980er Jahren bietet der weitläufige Platz ideale Voraussetzungen für musikalische Begegnungen unter freiem Himmel. Hier, wo Geschichte und Gegenwart aufeinandertreffen, präsentiert das traditionsreiche Polizeiorchester ein festliches Programm mit Musik von Johann Sebastian Bach und typischer, swingender Musik für Bigband – offen, zugänglich und generationsübergreifend. Ein besonderes Konzerterlebnis für Hamburger:innen und Gäste, die Musik, Stadtgeschichte und eine besondere Atmosphäre gleichermaßen genießen möchten.

Eine Führung durch die Musikmetropole Hamburg: Bach, Barock & Co.

Wussten Sie, dass Hamburg der Sehnsuchtsort der Bach-Familie war? Und das erste bürgerliche Opernhaus Deutschlands hatte? Dass der junge Georg Friedrich Händel hier seine Opernkarriere begann? Und dass Carl Philipp Emanuel Bach in der Krypta im Michel ruht?

Begleiten Sie uns auf einem besonderen Stadtrundgang durch Hamburgs reiche und oft vergessene Musikgeschichte. Erleben Sie die Orte, an denen Georg Philipp Telemann, Carl Philipp Emanuel Bach, Georg Friedrich Händel und viele andere bedeutende Persönlichkeiten wirkten. Den musikhistorischen Spaziergang rundet am Ende ein Besuch der Orgelandacht in der Hauptkirche St. Michaelis ab. 

Die Kunst der Fuge ist ein groß angelegter Zyklus von vierzehn Fugen und vier Kanons und zeigt in Vollendung die kontrapunktische Kunst der Fugenkomposition. Sie steht als Meisterwerk unerreicht und singulär für sich.

1802 erklärte der Bachbiograph Johann Nicolaus Forkel, dass „Die Kunst der Fuge für die große Welt zu hoch" sei. Im Laufe der Zeit hat sich dieses Bild des vergeistigten Werks geändert. Alban Berg wusste Anfang des 20. Jh., dass sie oft „für Mathematik gehalten wurde"; er dagegen war überzeugt, dass dieses Werk „tiefste Musik" sei. Und für den Pianisten Glenn Gould gab es keine Musik, die ihn tiefer bewegte als die letzte, die unvollendete Fuge. Schaut man in die Noten, kommt man tatsächlich aus dem Staunen nicht heraus, angesichts der vielfältig miteinander verflochtenen Ideen.

Als Spätwerk des Meisters ist sie unvollendet geblieben. Auch hierum ranken sich viele Gerüchte. Ist Bach beim Schreiben erkrankt? Hinderte ihn sein Augenleiden an der Fertigstellung? Hätte er nicht wie sonst auch das Werk seiner Werkstatt in die Feder diktieren können? Oder steht Die Kunst der Fuge, wie ein neues Buch von Meinolf Brüser nachweist, in der Tradition der Vanitas-Malerei und Bach inszeniert hier sein eigenes Ende? In Anlehnung an diese Form der Kunst, die die Endlichkeit des Menschen zum Ausdruck bringt und die Demut vor Gott zeigt, beendet Bach Die Kunst der Fuge bewusst unvollkommen im Angesicht des eigenen Endes – ein Signum für das Wissen um die eigene Unvollkommenheit des kompositorischen Schaffens. Bemerkenswert ist diese These auch deshalb, weil Die Kunst der Fuge gemeinhin als die Conclusio von Bachs polyphonem Schaffen gilt, an dessen Vollkommenheit bisher niemand heranreicht. 

Eine Führung durch die Musikmetropole Hamburg: Bach, Barock & Co.

Wussten Sie, dass Hamburg der Sehnsuchtsort der Bach-Familie war? Und das erste bürgerliche Opernhaus Deutschlands hatte? Dass der junge Georg Friedrich Händel hier seine Opernkarriere begann? Und dass Carl Philipp Emanuel Bach in der Krypta im Michel ruht?

Begleiten Sie uns auf einem besonderen Stadtrundgang durch Hamburgs reiche und oft vergessene Musikgeschichte. Erleben Sie die Orte, an denen Georg Philipp Telemann, Carl Philipp Emanuel Bach, Georg Friedrich Händel und viele andere bedeutende Persönlichkeiten wirkten. Den musikhistorischen Spaziergang rundet am Ende ein Besuch der Orgelandacht in der Hauptkirche St. Michaelis ab. 

Johann Sebastian Bachs letztes Lebensjahr war von einem schweren Augenleiden geprägt, das sich rasch verschlimmerte und schließlich zur Erblindung führte. Trotz dieser dramatischen Entwicklung blieb Bach voller schöpferischer Pläne und geistiger Kraft. In der Hoffnung auf Heilung ließ er sich 1750 von dem in Leipzig wirkenden englischen Augenarzt John Taylor operieren – ein Eingriff, der keine Besserung brachte und bis heute die Frage aufwirft, ob er zu Bachs frühem Tod beitrug. Das Internationale Bachfest Hamburg widmet sich dem Thema „Augen“ aus musikalischer, medizinischer sowie theologischer und philosophischer Perspektive. Erklingen werden Bachs Kantate Herr, deine Augen sehen nach dem Glauben BWV 102, Johann Christoph Bachs eindringliches Lamento Ach, dass ich Wassers g’nug hätte sowie Johann Sebastian Bachs Kantate Du wahrer Gott und Davids Sohn BWV 23. Musik und Impulse eröffnen neue Zugänge zu Sehen, Glauben und innerer Erkenntnis.

Eine Führung durch die Musikmetropole Hamburg: Bach, Barock & Co.

Wussten Sie, dass Hamburg der Sehnsuchtsort der Bach-Familie war? Und das erste bürgerliche Opernhaus Deutschlands hatte? Dass der junge Georg Friedrich Händel hier seine Opernkarriere begann? Und dass Carl Philipp Emanuel Bach in der Krypta im Michel ruht?

Begleiten Sie uns auf einem besonderen Stadtrundgang durch Hamburgs reiche und oft vergessene Musikgeschichte. Erleben Sie die Orte, an denen Georg Philipp Telemann, Carl Philipp Emanuel Bach, Georg Friedrich Händel und viele andere bedeutende Persönlichkeiten wirkten. Den musikhistorischen Spaziergang rundet am Ende ein Besuch der Orgelandacht in der Hauptkirche St. Michaelis ab. 

Johann Sebastian Bachs Motette Komm, Jesu, komm BWV 229 eröffnet den Abend als inniges Gebet um Ruhe und Erlösung. Sein Sohn Johann Christoph Friedrich Bach antwortet mit dem empfindsamen Ich lieg und schlafe Wf XV:1, das das Vertrauen des Menschen in Gottes Schutz zum Ausdruck bringt. Mit Brahms’ Warum ist das Licht gegeben op. 74,1 erklingen existentielle Fragen nach Leid und Sinn, während Knut Nystedts Immortal Bach Bachs Choral Komm, süßer Tod in zeitlose Schwebe überführt. György Ligetis Nacht und Morgen schließlich lässt in faszinierenden Klangschichten Dunkel und Licht aufeinandertreffen. Den Abschluss bildet die Motette Lobet den Herrn, alle Heiden BWV 230 – ein Lobgesang, der die Spannweite zwischen Erde und Himmel in jubelnder Bewegung vereint.

Drei Jahre mit Kutsche und Schiff durch halb Europa, 200 Seiten Reisetagebuch, 300 Seiten Rechnungen, astronomische  Ausgaben in Höhe von 55.749 Talern – ein Drittel mehr als der gesamte Jahreshaushalt des Fürstentums: Der 17-jährige Fürst Leopold von Anhalt-Köthen würde heute für Schlagzeilen sorgen! Auf seiner Kavalierstour 1710 sammelt er politische, soziokulturelle und ganz nebenbei andere „Lebenserfahrungen“. Er erwirbt unterwegs Antiquitäten, Kunstwerke, Kuriositäten, aber auch Musikdrucke aus England, Italien und Frankreich für seinen kleinen Hof in Köthen. Was davon mag später Johann Sebastian Bach während seiner Amtszeit dort inspiriert haben? 

Das Ensemble Hamburger Ratsmusik unter der Leitung von Simone Eckert bringt zusammen mit Peter Bieringer als Rezitator die originalen Textdokumente und die musikalischen Eindrücke dieser Europareise in einem launigen Bühnenspiel zusammen. 

Mitsingen erwünscht! Beim SingAlong in der St. Pauli Kirche wird die Musik Johann Sebastian Bachs anhand seiner Choralkantaten unmittelbar erlebbar. Diese Kantaten verbinden Bachs große kompositorische Kunst mit eingängigen, emotional aufgeladenen Melodien und Texten. Das Mitsingen bietet Raum für eigene spirituelle Erfahrungen. Gerade in urbanen Räumen, wo verschiedenste Lebenswelten aufeinandertreffen, leistet der BACH-SingAlong einen Beitrag zur aktiven, selbstwirksamen Teilhabe.
 
Ein besonderes Augenmerk wird dabei auf den Jubilar Paul Gerhardt (1607–1676) gelegt. Er zählt zu den bedeutendsten Kirchenlieddichtern des 17. Jahrhunderts. Seine Texte entstanden größtenteils in der Zeit des Dreißigjährigen Krieges und spiegeln tiefes Gottvertrauen, Trost in Leidenszeiten und die Verbindung von innerer Frömmigkeit mit menschlicher Erfahrung wider. Diese spirituelle Dimension machte seine Dichtung für Johann Sebastian Bach zu einer zentralen Quelle geistlicher Inspiration.

In der Choralkantate Ich hab in Gottes Herz und Sinn (BWV 92, 1725) vertonte Bach Gerhardts gleichnamiges zwölfstrophiges Lied von 1647. Einige Strophen übernimmt er wortgetreu, andere verarbeitet er frei in Arien und Rezitativen. Das Werk kreist um die Gewissheit gläubiger Hingabe: Freude und Leid sind gleichermaßen Ausdruck des göttlichen Willens. dem der Mensch vertrauend begegnet. 

Bach fand in Gerhardts Liedern nicht nur poetische Texte, sondern geistlich-existenzielle Gehalte, die er in seinen Kantaten und Motetten zu einer musikalischen Theologie verarbeitete. Damit verband er Wort und Ton in einer Tiefe, die Vertrauen und Hoffnung des lutherischen Glaubens eindrucksvoll erfahrbar macht – ein Kerninhalt, der gerade in unserer heutigen Zeit wieder hochaktuell ist.

Eine Führung durch die Musikmetropole Hamburg: Bach, Barock & Co.

Wussten Sie, dass Hamburg der Sehnsuchtsort der Bach-Familie war? Und das erste bürgerliche Opernhaus Deutschlands hatte? Dass der junge Georg Friedrich Händel hier seine Opernkarriere begann? Und dass Carl Philipp Emanuel Bach in der Krypta im Michel ruht?

Begleiten Sie uns auf einem besonderen Stadtrundgang durch Hamburgs reiche und oft vergessene Musikgeschichte. Erleben Sie die Orte, an denen Georg Philipp Telemann, Carl Philipp Emanuel Bach, Georg Friedrich Händel und viele andere bedeutende Persönlichkeiten wirkten. Den musikhistorischen Spaziergang rundet am Ende ein Besuch der Orgelandacht in der Hauptkirche St. Michaelis ab. 

Das Konzert widmet sich Sonaten für Clavichord des bisher unbekannten Komponisten Markus Christfried Grosse (1732/33-1799), die in der intimen Atmosphäre des CPE-Bach-Museums im KomponistenQuartier auch direkt zu Gehör gebracht werden. Grosse war als Organist und Musiklehrer am Pädagogium in Kloster Berge bei Magdeburg tätig. Frei von Schematismus in Satzfolge und Form weisen seine Sonaten fein differenzierte dynamische Verläufe auf. Sie bilden musikalisch und pianistisch eine Bereicherung für das Repertoire für Clavichord und Hammerklavier und wurden auch auf Orgeln gespielt. 

Zur Einordnung werden darüber hinaus Beispiele von Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) und Johann Heinrich Rolle (1716-1785) für dieses Instrument gespielt und im moderierenden Vortrag einander gegenübergestellt. 

Die Hadelner Bauerndome an der Elbemündung in die Nordsee bilden im Zusammenspiel ein einzigartiges Ensemble mittelalterlicher Kirchen, die durch ihre monumentale Bauweise, ihre reichhaltige Kunst und ihre kulturelle Ausstrahlung zum europäischen Kulturerbe zählen. Sie zeugen vom Wohlstand der Marschbauern und von der jahrhundertelangen Verbindung zwischen Glauben, Musik und Handel im Norden Europas. In ihnen befinden sich drei der historisch bedeutendsten Orgeln Europas. St. Severi in Otterndorf war schon im 17. und 18. Jahrhundert ein Zentrum geistlicher Musiktradition und Teil des historischen Notenvertriebsnetzwerks von Carl Philipp Emanuel Bach, das von London bis Moskau reichte.

Der Kirchenraum beeindruckt durch seine spätgotische Architektur, barocke Ausmalungen und die prachtvolle Ausstattung. Herzstück ist die große 3-manualige Orgel von 1741/42 von Dietrich Christoph Gloger, die mit ihren 46 Registern die berühmte große Orgel des Freiberger Doms von Gottfried Silbermann sogar quantitativ um zwei Register übertrifft. Ihr farbenreicher Klang, nach der Restaurierung in ursprünglicher Mensurierung, macht St. Severi heute zu einem Zentrum authentischer norddeutscher Orgelkunst im europäischen Kontext.

Die Hadelner Bauerndome an der niedersächsischen Nordseeküste bilden ein einzigartiges Ensemble mittelalterlicher Kirchen, die zum europäischen Kulturerbe zählen. Sie spiegeln den Wohlstand und die Frömmigkeit der Marschbauern wie auch den lebendigen Austausch zwischen Kunst, Handwerk und Musik in Norddeutschland wider. St. Jacobi Lüdingworth wurde Ende des 12. Jahrhunderts errichtet. Die romanische Feldsteinkirche gilt als schönster Bauerndom im Kirchenkreis Cuxhaven-Hadeln. Besonders zu erwähnen sind der älteste Flügelaltar der Region aus der Zeit 1430-1440 sowie die Kanzel, welche um 1700 entstand. Klangkrone der prachtvollen Innenausstattung aus Renaissance und Frühbarock ist die große dreimanualige Orgel. Von Antonius Wilde mit ca. 20 Registern 1598/99 errichtet, erweiterte Arp Schitger das Instrument 1682/83 auf 35 Register. Jürgen Ahrend restaurierte die Orgel 1981/82 und führte sie wieder auf ihre ursprüngliche mitteltönige Stimmung zurück. Als Spiegel zum „Lüdingworther Klangwunder“, die als eine der kostbarsten Orgeln Norddeutschlands gilt, spielt die junge südkoreanische Geigerin Soyoung Park Johann Sebastian Bachs 2. Partita für Violine solo. Im Finalsatz, der berühmten Chaconne, die technisch als eins der schwierigsten Stücke der Violinliteratur gilt, variiert Bach 32 Mal einen Gedanken, der über einem Thema in der Bassstimme kreist. Auf nur vier Violinsaiten erklingt eine Musik wie aus einer anderen Welt, bei der es um Tod und Auferstehung geht.

Eine Führung durch die Musikmetropole Hamburg: Bach, Barock & Co.

Wussten Sie, dass Hamburg der Sehnsuchtsort der Bach-Familie war? Und das erste bürgerliche Opernhaus Deutschlands hatte? Dass der junge Georg Friedrich Händel hier seine Opernkarriere begann? Und dass Carl Philipp Emanuel Bach in der Krypta im Michel ruht?

Begleiten Sie uns auf einem besonderen Stadtrundgang durch Hamburgs reiche und oft vergessene Musikgeschichte. Erleben Sie die Orte, an denen Georg Philipp Telemann, Carl Philipp Emanuel Bach, Georg Friedrich Händel und viele andere bedeutende Persönlichkeiten wirkten. Den musikhistorischen Spaziergang rundet am Ende ein Besuch der Orgelandacht in der Hauptkirche St. Michaelis ab. 

In diesem inspirierenden Konzertabend wird das Oeuvre der Bach-Dynastie in seiner ganzen stilistischen und virtuosen Vielfarbigkeit abwechslungsreich und vieldimensional ausgeleuchtet. Im Zentrum stehen Präludien und Sonaten für Flöte, Violoncello, Cembalo und Orgel von Johann Sebastian Bach im Dialog mit Werken seiner Söhne Carl Philipp Emanuel und Wilhelm Friedemann Bach sowie seiner bedeutenden Zeitgenossen Johann Ludwig Krebs und Dietrich Buxtehude. Verwoben werden diese Werke in einem großen Klang-Raum-Gesamtkunstwerk im Hamburger Marien-Dom mit moderner Musik von György Ligeti und Zsigmond Szathmáry. 

CPE Bach neu entdeckt – „Sturm und Drang“ mit Solo & Orchester!

Mitte des 18. Jahrhunderts: Das Berliner Publikum konnte gar nicht genug von den Konzerten des Hofcembalisten Friedrichs II. bekommen, so fasziniert war es von CPE Bach, einem der ersten  „Originalgenies“ der Musikgeschichte. Für die Solisten gilt es, die vielfältigen Facetten seiner raffiniert ausgearbeiteten und damals neuartigen Tonsprache geschickt zu meistern: Eine Herausforderung, die der Weltstar Albrecht Mayer mit Bravour besteht, wenn er von den großartigen MusikerInnen des neu ins Leben gerufenen und der historisch informierten Aufführungspraxis verpflichteten CPE-Bach-Orchesters Hamburg in dessen Debut-Konzert kongenial begleitet wird. Neben einem Original-Oboenkonzert von CPE Bach steht auch eine Bearbeitung in Form eines neu entstandenen Oboenkonzertes des Berliner & Hamburger Bach auf dem Programm.

Den „Rahmen“ für die beiden Solokonzerte bilden die vier großen Hamburger Sinfonien (Wq. 183) Carl Philipp Emanuel Bachs. Nach den sechs Streichersinfonien Wq. 182, die der Diplomat Gottfried van Swieten 1773 bei Bach in Hamburg in Auftrag gegeben hatte – mit der ausdrücklichen Maßgabe, dass sich dieser „ganz gehen liess, ohne auf die Schwierigkeiten Rücksicht zu nehmen, die daraus für die Ausübung nothwendig entstehen“ – stellte sich Bach mit seinen vier Orchestersinfonien Wq. 183 nicht nur der Herausforderung, Sinfonien für ein aus Streichern und Bläsern zusammengesetztes Orchester zu schreiben, vielmehr waren seine Kompositionen mit ihren höchst emotionalen Erregungs- und Entspannungszuständen richtungsweisend was den Einsatz von Klangfarbe, Lautstärke und Harmonik als zentrale musikalische Gestaltungselemente anbelangte. Bachs vier große Hamburger Sinfonien sind ein Gefühlsfeuerwerk: Spannungsvoll, tieftraurig sowie überbordend fröhlich und mitreißend.

Das Publikum erwartet eine fulminante musikalische Reise von Berlin nach Hamburg und ein Konzert der Extreme – dargeboten von einem der weltweit führenden Oboisten, dem neu gegründeten CPE-Bach-Orchester Hamburg sowie dem Bach-Spezialisten Hansjörg Albrecht.

Das CPE-Bach-Museum im KomponistenQuartier beherbergt auch ein Friederici-Clavichord von Martin Kather und stellt damit das favorisierte Instrument des Komponisten vor. Seit 2023 wird das Instrument zur großen Freude der Museumsbetreiber wieder von Studierenden der Hochschule für Musik und Theater Hamburg genutzt, denn was kann eine Annäherung an Komponisten und ihr Werk besser erlauben als die tatsächliche Auseinandersetzung mit ihrer und der Musik ihrer Zeitgenossen?

Der englische Musikgelehrte Charles Burney, berühmt durch sein „Tagebuch einer musikalischen Reise“, kommt im Oktober 1772 auch nach Hamburg. Bereits am Morgen seiner Ankunft in der Stadt lässt er sich zu Carl Philipp Emanuel Bach führen. Von dessen Vortrag am Clavichord ist er geradezu überwältigt. Später schreibt er über den Bachsohn: „[…] daß er nemlich nicht nur der grösseste Komponist für Clavierinstrumente ist, der jemals gelebt hat, sondern auch, im Punkte des Ausdrucks, der beste Spieler.“

Die Wertschätzung zwischen ihm und dem „Hamburger Bach“ ist offensichtlich eine gegenseitige. Denn Burney war nicht nur ein kundiger Musikjournalist, sondern selbst ebenfalls ein versierter Komponist. Seine Vertonung des 18. Psalms für Soli, Chor und Orchester, die 1769 zur Verleihung der Doktorwürde der Universität Oxford an Burney erklungen war, lässt CPE Bach später auch in Hamburg aufführen.

Friedrich Schillers Don Carlos entfaltet ein mächtiges Panorama politischer und seelischer Konflikte im Spanien des 16. Jahrhunderts. Im Zentrum steht die Frage nach persönlicher Freiheit in einer Welt, die von absolutistischer Herrschaft und dogmatischer Religiosität geprägt ist. Schiller zeigt, wie Glaube zugleich moralische Orientierung und gefährliches Machtinstrument sein kann: Während Philipp II. religiöse Autorität nutzt, um Kontrolle zu legitimieren, suchen Figuren wie Don Carlos und Marquis Posa nach einem Glauben, der den Menschen befreit, anstatt ihn zu unterwerfen. Der Konflikt zwischen innerer Überzeugung und äußerer Pflicht wird so zu einem zentralen Motor der Tragödie. Don Carlos verhandelt damit nicht nur politische Ideale, sondern stellt auch die Frage, wie echter Glaube in einer Welt bestehen kann, die Religion zur Stütze weltlicher Macht missbraucht.

„After dinner, which was elegantly served, and cheerfully eaten, I prevailed upon him to sit down again to a clavichord, and he played, with little intermission, till near eleven o’clock at night. During this time, he grew so animated and possessed, that he not only played, but looked like one inspired. His eyes were fixed, his under lip fell, and drops of effervescence distilled from his countenance. He said, if he were to be set to work frequently, in this manner, he should grow young again.”
So beschreibt Charles Burney eine abendliche Improvisation des Hamburger Bach (The Present State of Music in Germany, the Netherlands, and United Provinces, 1773). 

Anhand von Kompositionen, Variationen, Veränderungen und ausgeschriebenen Kadenzen werden wir in diesem Workshop die stilistischen Elemente und Merkmale der Komposition und Improvisation bei CPE Bach betrachten und vor allem: am Friederici-Clavichord von Martin Kather selbst ausprobieren und damit fantasieren. Gäste sind herzlich willkommen!  

Dieses Auftakttreffen versteht sich als Impuls für Austausch, Vernetzung und eine gemeinsam entwickelte Umsetzung der Hamburger Kultur- und Tourismusstrategie 2022. Im Zentrum steht Hamburgs Barockepoche mit prägenden Persönlichkeiten wie Weckmann, Reincken, Schnitger, Keiser, Mattheson, Händel, Telemann und CPE Bach. Daraus entwickelt sich ein maritim gedachtes Netzwerk, das Hamburg als „Tor zur Welt“ begreift und historische Musikorte, Kulturschaffende, Wissenschaft, Bildung und Tourismus miteinander verbindet. Einbezogen werden auch Akteure der Metropolregion, darunter die Bach-Städte Lübeck und Lüneburg sowie die Orgelkunstzentren Stade und die Hadelner Bauerndome, die in enger historischer Beziehung zu Hamburg stehen. Ziel ist es, kulturelle Identität zu stärken, interdisziplinäre Zusammenarbeit zu fördern und barocke wie aufklärerische Ideen für Gegenwart und Zukunft sichtbar zu machen. Die Vision ist die Positionierung Hamburgs und der Metropolregion als lebendiges nordeuropäisches Zentrum barocker Klangkultur im Dialog mit der Moderne.

Anlässlich der Verleihung des 1. Bach-Preises der Freien & Hansestadt Hamburg an den Dirigenten, Komponisten und Instrumentalisten Paul Hindemith lässt die CPE.Bach.Akademie.Hamburg in einem Festkonzert die außergewöhnliche Geschichte dieses 1950 von Senat und Bürgerschaft gestifteten Preises lebendig werden. Seit 1951 ehrt die Freie und Hansestadt Hamburg Komponistinnen und Komponisten, deren Schaffen dem hohen Anspruch Johann Sebastian Bachs entspricht. Namen wie Hindemith, Messiaen, Henze, Gubaidulina oder Widmann markieren die künstlerische Spannweite dieser Auszeichnung, die zugleich mit Förderstipendien junge Talente stärkt. Hamburg war früh Wegbereiter eines modernen Bach-Verständnisses. Als erste Stadt, die eines der jährlich wandernden Bachfeste der Neuen Bachgesellschaft 1965 veranstaltete, öffnete Hamburg die bis dato vorherrschende Tradition einer reinen Bach-Pflege hin zur Gegenwart. In dieser Linie stehen auch die Internationalen Bachfeste der CPE.Bach.Akademie.Hamburg, die neue ästhetische Verbindungen zwischen den Bach-Preisträger:innen des 20. und 21. Jahrhunderts sowie der Bach-Familie des 18. Jahrhunderts sichtbar machen. Das Festkonzert, das in Kooperation mit der HfMT Hamburg stattfindet, führt diese Idee fort und vereint Werke von Paul Hindemith und Olivier Messiaen, interpretiert von einem jungen, internationalen Duo.

Karl Richters Aufnahmen wurden zu Ikonen, eine davon – Bachs 2. Brandenburgisches Konzert – reist bis heute an Bord der Voyager Golden Record durchs All. Nach seiner Ausbildung als Chorknabe im Dresdner Kreuzchor und letzter Orgelschüler des legendären Karl Straube in Leipzig war er kurzzeitig der jüngste Organist an Johann Sebastian Bachs einstiger Leipziger Wirkungsstätte, der Thomaskirche. 1954 gründete er dann den Münchener Bach-Chor und das Münchener Bach-Orchester, mit denen er auf der ganzen Welt auftrat. Für gut zwei Jahrzehnte war er der Kulturbotschafter der alten Bundesrepublik Deutschland und befreundet mit Persönlichkeiten wie John F. Kennedy und Leonard Bernstein.

Das Karl-Richter-Jubiläum 2026, kuratiert von Hansjörg Albrecht, widmet sich diesem polarisierenden Weltstar in einem ganzjährigen Musikfest. An zentralen Lebens- und Wirkungsorten beleuchten Konzerte und Projekte Richters Rolle zwischen Spätromantik, Nachkriegs-Neudenken und Historischer Aufführungspraxis. Seine visionäre Idee eines „expressiven Musizierens mit dem Herzen“ wirkt bis heute nach – gerade jetzt, da sich historisch informierte Präzision und emotionale Tiefe neu begegnen. Eine Einladung zur Wiederentdeckung des Phänomens Karl Richter.

Wege zu Mozart & Gefährliche Liebschaften
 
Was geschieht, wenn sich Hass, Missgunst und Eifersucht in die Liebe zweier Menschen mischen? Wenn die lichte Seite im Menschen auch eine dunkle in sich trägt?
Die Oper beginnt auf der Kehrseite der Liebe, auf der Seite des Bösen und mit der Verwirrung der üblichen Ordnung. Die böse Zauberin Arcabonne gesteht mit Scham, ein für sie unvertrautes Gefühl zu empfinden: die Liebe für den Ritter Amadis, der ihren Bruder ermordet hat. Nun entspinnt sich ein Psychogramm vierer Figuren in zwei Paaren: dem bösen Geschwisterpaar Arcalaus & Arcabonne auf der einen und der Prinzessin Oriane und Ritter Amadis auf der anderen Seite.
Gefangen zwischen Tötungstrieb und Begehren sät Arcabonne angestachelt durch ihren Bruder Arcalaus zwischen den beiden Liebenden Unfrieden, Zwietracht und Misstrauen und bewirkt deren Entzweiung. Oriane wendet sich im Fortgang von ihrem Geliebten Amadis ab, weil sie ihn enttäuscht der Untreue bezichtigt. Amadis hingegen fühlt sich unverstanden und zurückgewiesen.

Die Handlung ist einfach, ein klassischer Ritterroman, mit Drachen, Zauberern, Rittern und einer befreiten Prinzessin. Aber die wahre Handlung ist bei Johann Christian Bach nicht die sichtbare. Es ist die fortschreitende Veränderung der beiden Personen Amadis und Oriane, deren innere Wandlung zum eigentlichen Sujet der Oper wird. In Prüfungen, wie in der Zauberflöte, wohnt der Zuschauer der Entwicklung eines idealen Mittlerpaares bei.  
Warum aber fiel die leichtfüßige Oper – wie ein frischer, früher Mozart klingend – bei ihrer Uraufführung in Paris durch? War die Zeit noch nicht reif für eine solche Musik, war es die Unentschiedenheit zwischen italienischer und französischer Operntradition oder war es der Rückgriff auf ein traditionelles Sujet? Die Oper Amadis de Gaule des jüngsten Sohnes von Johann Sebastian Bach, der wie Händel in London Karriere machte und als Komponist und Konzertveranstalter das Publikum in seinen Bann zog, legt den Finger in die Wunde des Pariser Opernpublikums im vorrevolutionären Jahr 1779: Es ist die Kritik an Wollust und Gier, an Hass und Missgunst, an Oberflächlichkeit und Heuchelei, die hier vor Augen geführt wird und für die der Opernbetrieb Sinnbild ist. Es ist eine der ersten aufklärerischen Opern für ein bürgerliches Publikum, die Oper aber war im Jahr 1779 noch ein Forum des Adels. So werden denn auch, als 10 Jahre später die Revolution losbricht, die Opernhäuser symbolhaft durch das revoltierende Volk geschlossen.
 
Die Liebe hingegen, die die böse Zauberin empfindet, trägt den Tod in sich. Und so stirbt, weil sie Amadis nicht lieben und nicht töten kann, die Zauberin Arcabonne den ersten Liebestod in der Geschichte der Oper. Am Ende aber siegt das Erhabene, die göttliche, reine Liebe der beiden Protagonisten Oriane und Amadis. Sind es aber wirklich zwei Paare gewesen oder doch eher ein einziges Paar in zwei Bildern?

Die einstmals während der Zeit der Hanse so überaus wichtige Handelsstadt Stade, die sogar Hamburg an Bedeutung übertraf, gilt heute als „Orgelstadt“, denn sie nimmt u.a. durch Arp Schnitger eine zentrale Rolle in der europäischen Orgelbaugeschichte ein. Besonders bekannt sind die Barockorgeln in St. Cosmae und St. Wilhadi sowie die außergewöhnlich reiche Orgellandschaft im Elbe-Weser-Dreieck. Die Orgelakademie Stade trägt zur Pflege und zum Erhalt dieses kulturellen Erbes bei.

In der gotischen Hallenkirche St. Wilhadi, die aus dem 14. Jahrhundert stammt und seit 1529 lutherisch ist, findet ein Orgelkonzert der besonderen Art statt. Studierende der Orgelklassen der Hochschule für Musik und Theater Hamburg stellen Werke von Johann Sebastian Bach ausgewählten Fugen von Lyonel Feininger gegenüber und zeigen ihr Können an der wertvollen Barock-Orgel von Erasmus Bielfeldt und an der neuen französischen Chororgel von Jens Steinhoff.

Lyonel Feininger, 1887 als 16-Jähriger aus New York nach Hamburg gekommen, studierte hier an der Kunstgewerbeschule und entwickelte sich später am Bauhaus zu einer zentralen Künstlerpersönlichkeit. Seine intensive Beschäftigung mit Bach – insbesondere mit der Kunst der Fuge und dem Wohltemperierten Klavier, die er auswendig beherrschte – führte zwischen 1921 und 1926 zu 13 eigenen Fugenkompositionen und prägte seine Bildtitel wie Fuge in Rot.

Das Konzert in Stade ist Teil des Bachfest-Spezialprojekts 2026 „Die Kunst der Fuge“ und findet in Kooperation zwischen der Kirchengemeinde Stade/St. Wilhadi, der Hochschule für Musik und Theater Hamburg und dem Bachfest Hamburg statt. 

Am Ostersonntag präsentiert die Neustädter Hof- und Stadtkirche St. Johannis in ihrer Kantatengottesdienstreihe „Bach um Fünf“ das Oster-Oratorium von Johann Sebastian Bach in einem Umfeld, das wie kaum ein anderer Ort Hannovers für barocke Musiktradition steht. Die Kirche als ältestes niedersächsisches Beispiel für das protestantische Raumideal einer Saalkirche und Zentrum der hannoverschen Kirchenmusik, verbindet ihre historische Rolle eng mit Agostino Steffani, dessen Wirken als Opernkapellmeister am Hofe des Herzogs Ernst August von Hannover den Grundstein für eine reiche musikalische Kultur der Stadt legte. In diesem Erbe steht auch die 2019 eingeweihte Bach-Orgel, deren klangliche Anlage ideal geeignet ist, Bachs Musik in ihrer farbigen Festlichkeit erlebbar zu machen. Sie bildet ein markantes Bindeglied zwischen barocker Baukunst, historischer Musizierpraxis und moderner Kirchenmusik. Hannovers Einbindung in das europaweite Notenvertriebsnetzwerk von Carl Philipp Emanuel Bach unterstreicht zusätzlich die lebendige Verbindung zur Bach-Familie. Die Aufführung von Johann Sebastian Bachs Oster-Oratorium am Ostersonntag lässt die Neustädter Hof- und Stadtkirche als barocken Klangraum erstrahlen.

Kultur ist sinnstiftend. Kultur beschäftigt uns nicht nur – und strukturiert unseren Alltag – sie scheint vor allem existentiellen Halt zu geben. Musizieren, gemeinsam oder alleine, ist eines der ältesten und am stärksten in unserer kollektiven Identität verankerten Rituale. Nichtsdestotrotz schadet es nicht, ritualisierte Abläufe auf den Prüfstand zu stellen: 

Im Musiktheaterprojekt Die große Stille wird die Musik von Wolfgang Amadeus Mozart für eine zukünftig und weit von der Erde entfernt lebende Menschengruppe existentiell relevant. Für sie werden unbekannte Werke von einem der bekanntesten Komponisten zur täglichen Erinnerung und Mahnung zugleich, was es heißt, Mensch zu sein und zu bleiben. 

An diesem Abend wird der Frage nachgegangen, welche Rolle und Funktion ein so überzeitliches Kulturgut wie Mozarts Musik für uns hat. Es wird ein Szenario einer entlegenen Welt entworfen, die wenig mit unserer heutigen Realität zu tun hat. Doch der Mensch ist die Konstante, die sich grundlegend kaum unverändert hat. Was löst Mozarts Musik heute aus? Wie reagiert der Mensch auf unerwartete Bedrohungen, wie auf eine tatsächliche Chance? Und was passiert, wenn es dann doch ganz still wird? 

Die Hadelner Bauerndome an der niedersächsischen Nordseeküste verkörpern die religiöse und wirtschaftliche Blüte der Marschregion sowie den europäischen Austausch künstlerischer Traditionen. Ein herausragendes Beispiel ist St. Nicolai in Altenbruch, deren imponierende Doppelturmfassade und prachtvoller Innenraum mit gotischem Langhaus und barockem Hochchor die Bedeutung des Ortes als geistliches und kulturelles Zentrum sichtbar machen. Die klangschöne Orgel ist ein einzigartiges Instrument, dessen Baugeschichte sich über mehr als zwei Jahrhunderte (1497-1727) erstreckt und von Johann Hinrich Klapmeyer mit 35 Registern, verteilt auf drei Manualen und Pedal zur Vollendung geführt wurde. Von der Orgelbaufirma Jürgen Ahrend restauriert, zählt sie zu den bedeutendsten norddeutschen Orgelanlagen. Im eindrucksvollen Klangraum von St. Nicolai erklingt – neben Orgelwerken von Carl Philipp Emanuel – u.a. Johann Sebastian Bachs 3. Sonate für Violine solo, ein Werk voll tänzerischer Leichtigkeit, leuchtender Virtuosität und barocker Lebensfreude, das den lichten, festlichen Charakter dieser Kirche und des Osterfestes musikalisch widerspiegelt.

Dieses Kammermusik-Konzert vereint zwei Hamburger Komponisten, deren Werke durch Zeit und Stil voneinander getrennt sind – und doch im Dialog stehen. Carl Philipp Emanuel Bach, Musikdirektor der Hamburger Hauptkirchen, entfaltet in seinen Quartetten Wq. 93 und Wq. 95 eine empfindsame Klangsprache, die in der Bearbeitung für Klaviertrio neue Transparenz und Ausdruckskraft gewinnt. Nach der Pause erklingt das A-Dur-Klaviertrio op. posth., das Johannes Brahms zugeschrieben wird – ein Werk voller lyrischer Wärme und struktureller Dichte, das die romantische Kammermusiktradition auf persönliche Weise fortschreibt. Zwischen Empfindsamkeit und Romantik entsteht ein musikalischer Spannungsbogen, der Hamburg als Klangraum zweier Epochen erfahrbar macht.

Der diesjährige Karfreitag, einer der höchsten Feiertage des Christentums, erlebt mit Alte-Musik-Koryphäe Jordi Savall und seinem Ensemble Le Concert des Nations mit zwei ausdrucksstarken Passionsoratorien eine Würdigung wie sie in keiner Kathedrale eindrucksvoller sein könnte. In Charakter und Entstehungsgeschichte grundverschieden, sind die Werke von Haydn und Beethoven doch durch unmittelbar berührende Musik und die Osterbotschaft geeint.

Christus am Ölberge zeigt einen ängstlichen, von seinen Jüngern verlassenen Jesus nach dem letzten Abendmahl betend im Garten Gethsemane. Beethoven wollte sich mit einem Oratorium an das Opern-Genre herantasten – dementsprechend dramatisch und bildhaft sind die Szenen. Die sehr menschliche Darstellung von Christus ist eng mit Beethovens seelischer Verfassung verknüpft: Einerseits verzweifelt er über die voranschreitende Schwerhörigkeit und ist andererseits voller Schaffensdrang. Die Oratoriums-Erzählung endet vor der Kreuzigung, also gewissermaßen offen.

Haydns Die Sieben letzten Worte unseres Erlösers am Kreuze führen die Geschichte fort und stehen im Konzert trotzdem an erster Stelle. Ursprünglich ausschließlich für Orchester komponiert, kommentiert die Musik die Kreuzigungsmomente der vier Evangelien, deren lateinischer Text Grundlage für die Instrumentalmusik war. Von der Musik beeindruckt, arbeitete ein Passauer Kantor die sieben langsam-intensiven Sätze in ein Oratorium um, was wiederum Haydn zu einer eigenen – und besseren, wie er selbst fand – Version mit Chor und SolistInnen inspirierte. Die Musik endet mit einem gewaltig in Töne gesetzten Erdbeben, das laut Evangelien eine Vorahnung auf das Beben des Jüngsten Gerichts gibt.

Robert Schumann legte 1851 in Düsseldorf eine eigene Bearbeitung von Johann Sebastian Bachs Johannes-Passion BWV 245 vor. Er schätzte sie als „kühner, gewaltiger, poetischer“ als die Matthäus-Passion und formte das Werk behutsam im Sinne der romantischen Ästhetik um. Veraltete Instrumente ersetzte er durch moderne Klangfarben: Die Laute in „Betrachte, meine Seel’“ wich Bratschen und Klarinetten, die Gamben in „Es ist vollbracht“ ersetzte er durch Violas, gestützt von akkordischen Bratschen- und Cellopassagen. Fehlende Harmonien ergänzte er mithilfe generalbassartig geführter Klarinetten; in „Der Held aus Juda siegt mit Macht“ fügte er tief liegende Trompetenfanfaren hinzu – ein Effekt, den Bach in der Passionszeit vermieden hätte. Insgesamt blieb seine Dynamiksetzung jedoch zurückhaltend. Ein Kinderchor von etwa fünfzig Knaben verstärkte die Choräle des großen gemischten Chors mit rund 120 Stimmen. Solisten und Orchester – mit Clara Schumann am Klavier als Continuo-Tasteninstrument – sorgten für eine reich entfaltete Klangfülle. Um das Werk zu straffen, strich Schumann einzelne Sätze, darunter die Bass-Arie „Eilt, ihr angefochtnen Seelen“, sowie einige Rezitative. Mit dieser Fassung verhalf er der lange vernachlässigten Passion zu neuer Aufmerksamkeit und förderte entscheidend die Bach-Renaissance. Moderne Rekonstruktionen, etwa von Oskar Gottlieb Blarr (2000 anlässlich des 7. Düsseldorfer Schumann-Festes) oder dem Kieler Universitätsmusikdirektor Bernhard Emmer, machen Schumanns Version heute wieder erlebbar.

Bachs herausragende Vertonung der Passionsgeschichte zählt zu den wichtigsten Meilensteinen der europäischen Musikgeschichte: Im Zentrum stehen die Evangelienworte und dramatischen Chorszenen, kommentiert in farbenreichen Arien und Chorälen. Uraufgeführt in der Leipziger Nikolaikirche im Jahr 1724, begeistert Bachs geniale Musik die Menschen bis heute. 

Für die jungen Sänger der Knabenkantorei ist es einer der spannendsten Auftritte des Jahres. Häufig singen die „Lübschen Jungs“ a-cappella, allenfalls die Orgel begleitet sie gelegentlich bei Gottesdiensten und Konzerten. Mit einem Orchester gemeinsam zu musizieren, ist für die Knaben und jungen Männer deshalb immer etwas Besonderes. Der reine, klare Klang der jungen Stimmen verbindet sich dann mit den besonderen Farben der historischen Instrumente zu einem musikalischen Erlebnis, das für viele Lübeckerinnen und Lübecker fest zum Karfreitag gehört.

Die Markus-Passion ist das größte verschollene Werk Johann Sebastian Bachs. In vielen Teilen lässt es sich jedoch rekonstruieren, da heute als gesichert gilt, dass das Werk im Parodieverfahren aus der sog. Trauerode hervorging, die Bach kurz zuvor komponiert hatte. Die Choräle der Markus-Passion sind in einer Sammlung erhalten, die Bachs Sohn Carl Philipp Emanuel veröffentlichte. Alle nicht erhaltenen Teile gibt es heute in unzähligen Ergänzungen, Rekonstruktionen und Neukompositionen. Besondere Bedeutung hat die Neukomposition der verlorenen Teile durch Volker Bräutigam, der sich konsequent entschied, nicht zu versuchen den Stil Bachs zu kopieren, sondern ganz bewusst als großen Gegensatz in zeitgenössischer Tonsprache zu komponieren. Bräutigams Evangelienmusik ist eine der am häufigsten aufgeführten und beliebtesten Ergänzungen der Markus-Passion.

Eine Führung durch die Musikmetropole Hamburg:  Bach, Barock & Co.

Wussten Sie, dass Hamburg der Sehnsuchtsort der Bach-Familie war? Und das erste bürgerliche Opernhaus Deutschlands hatte? Dass der junge Georg Friedrich Händel hier seine Opernkarriere begann? Und dass Carl Philipp Emanuel Bach in der Krypta im Michel ruht?

Begleiten Sie uns auf einem besonderen Stadtrundgang durch Hamburgs reiche und oft vergessene Musikgeschichte. Erleben Sie die Orte, an denen Georg Philipp Telemann, Carl Philipp Emanuel Bach, Georg Friedrich Händel und viele andere bedeutende Persönlichkeiten wirkten. Den musikhistorischen Spaziergang rundet am Ende ein Besuch der Orgelandacht in der Hauptkirche St. Michaelis ab. 

Am ersten Donnerstag des Monats öffnet die Hamburger Kunsthalle wieder kostenlos ihre Türen – diesmal mit einem besonderen Akzent: Das CPE.Bach.Ensemble.Hamburg spielt Auszüge aus Johann Sebastian Bachs Die Kunst der Fuge, einem Werk, das auch den in New York geborenen Lyonel Feininger tief beeinflusste. Feininger kam 1887 als 16-Jähriger nach Hamburg, studierte neun Monate an der Kunstgewerbeschule und entwickelte sich später am Bauhaus Weimar zu einer zentralen Künstlerpersönlichkeit. Feiningers intensive Beschäftigung mit Bach – er beherrschte u. a. die Kunst der Fuge und das Wohltemperierte Klavier auswendig – führte zwischen 1921 und 1926 zu eigenen Fugenkompositionen und prägte seine Bildtitel wie Fuge in Rot.

Im Kontext der aktuellen Stadtentwicklung steht das Schanzenviertel exemplarisch für Hamburgs Transformation zu einer verdichteten, attraktiven und zugleich konfliktreichen Metropole, in der Gentrifizierung, kulturelle Vielfalt, Nachtökonomie und politischer Diskurs unmittelbar aufeinandertreffen. Es ist weniger ein homogener Stadtteil als ein urbaner Raum, in dem Fragen von Teilhabe, Nutzung und Identität ständig neu verhandelt werden. Die Volkshochschule in der Schanzenstraße wirkt dabei als stabilisierender, nicht-kommerzieller Bildungs- und Begegnungsort und setzt einen bewussten Kontrapunkt zur Verwertungslogik des Viertels, indem sie demokratische Öffentlichkeit, soziale Durchmischung und kulturelle Bildung sichtbar im Stadtraum verankert.

Und genau an dieser Stelle lädt die VHS Hamburg Mitte in Kooperation mit der CPE.Bach.Akademie.Hamburg zu einer besonderen Einführung in das Programm des diesjährigen Bachfests ein – mit Bildern, Einblicken und Hintergrundinformationen sowie viel Musik. Hansjörg Albrecht, der künstlerische Leiter des Internationalen Bachfests Hamburg, dem die lebendige Vermittlung von Wissen um das Universum Musik ein Herzensanliegen ist, gestaltet mit seiner Einführung einen opulenten Auftakt für Neugierige, Kenner und Entdeckerinnen gleichermaßen.

Eine Führung durch die Musikmetropole Hamburg:  Bach, Barock & Co.

Wussten Sie, dass Hamburg der Sehnsuchtsort der Bach-Familie war? Und das erste bürgerliche Opernhaus Deutschlands hatte? Dass der junge Georg Friedrich Händel hier seine Opernkarriere begann? Und dass Carl Philipp Emanuel Bach in der Krypta im Michel ruht?

Begleiten Sie uns auf einem besonderen Stadtrundgang durch Hamburgs reiche und oft vergessene Musikgeschichte. Erleben Sie die Orte, an denen Georg Philipp Telemann, Carl Philipp Emanuel Bach, Georg Friedrich Händel und viele andere bedeutende Persönlichkeiten wirkten. Den musikhistorischen Spaziergang rundet am Ende ein Besuch der Orgelandacht in der Hauptkirche St. Michaelis ab. 

Komm in die Gänge!
„Er ist der Vater, wir sind die Buben“ soll Mozart einmal über den älteren Carl Philipp Emanuel Bach gesagt haben. Zur Mozart Jam Session begegnen sich die beiden nun endlich und improvisieren um die Wette. Und das gemeinsam mit Euch. Einfach Instrumente mitbringen oder vor Ort leihen, Noten nehmen und gemeinsam jammen! Was gespielt wird, entscheidet sich spontan – Jam Session eben. 

Anlässlich der 1. Verleihung des Hamburger Bach-Preises vor 75 Jahren an den Komponisten, Dirigenten und Instrumentalisten Paul Hindemith lässt das Internationale Bachfest Hamburg in einem ersten von zwei festlichen Konzerten die außergewöhnliche Geschichte dieses 1950 von Senat und Bürgerschaft gestifteten Preises lebendig werden. Seit 1951 ehrt die Freie und Hansestadt Hamburg Komponistinnen und Komponisten, deren Schaffen dem hohen Anspruch Johann Sebastian Bachs entspricht. 

In „Windfuhrs Werkstattkonzert #4“ treffen daher Vergangenheit und Gegenwart exemplarisch aufeinander. Auf dem Programm stehen die Uraufführung der Komposition Kaleidoscope der jungen chinesischen Komponistin Yixuan Hu, Paul Hindemiths Klarinettenkonzert sowie die Schottische Sinfonie des in Hamburg geborenen Felix Mendelssohn-Bartholdy, der mit der Aufführung von Bachs Matthäus-Passion 1829 in Berlin den Beginn der Wiederbesinnung auf die Werke des Thomaskantors einläutete. Unter der Leitung von Ulrich Windfuhr musizieren die Symphoniker Hamburg, Solist ist der Klarinettist Alexander Bachl. 

Mit dem 1965 in Hamburg ausgerichteten 40. Bachfest der Neuen Bachgesellschaft wurde Hamburg zum Wegbereiter eines modernen Bach-Verständnisses und öffnete die Bach-Pflege hin zur Gegenwart. In dieser Tradition vereint das Festkonzert Werke verschiedener Epochen und Generationen und führt die Idee der Internationalen Bachfeste der CPE.Bach.Akademie.Hamburg in Kooperation mit der HfMT Hamburg konsequent fort.

Woran glauben wir (noch)?

Woran glaubt der Mensch – heute? 
An Gott? An die Wissenschaft? An sich selbst? 
Oder vielleicht einfach an die Musik? 

In einer Gesellschaft, die sich zunehmend von kirchlichen Bindungen löst und gleichzeitig religiös vielfältiger wird, stellen wir uns in dieser Saison eine offene, ehrliche und zugleich unbequeme Frage: Woran glauben wir (noch)? 

Und was kann die große geistliche Musik des europäischen Abendlands in dieser Zeit überhaupt noch bedeuten? Sagt sie uns noch etwas? Kann sie unsere Freude verstärken und überhöhen und bei dem Verlust von geliebten Menschen noch trösten und Halt geben? 

Die Verbindung zwischen einem Konzert in der Hamburger Justizvollzugsanstalt „Santa Fu“ und der Geschichte von Carl Philipp Emanuel Bach mag auf den ersten Blick vielleicht etwas weit hergeholt sein, doch bietet sie – gerade durch die zeitliche Nähe zur Karwoche – eine besondere Möglichkeit, Tradition und Gegenwart miteinander zu verknüpfen. CPE Bach leitete in Hamburg regelmäßig Konzerte, die auch in gesellschaftlich besonderen Kontexten stattfanden. Eine dieser außergewöhnlichen Stätten war das Hamburger Spinnhaus, ein Zuchthaus für Frauen, das für die Wiedereingliederung und Disziplinierung durch Arbeit und Religion genutzt wurde. In der dortigen Anstaltskirche führte Bach seine große Passionskantate Die letzten Leiden des Erlösers erstmals 1774 auf und es folgten dort bis 1785 während der Passionszeit jährlich weitere Aufführungen. Diese Konzerte hatten nicht nur einen musikalischen, sondern auch einen humanitären und moralischen Ansatz. Sie symbolisierten den Glauben an die transformative Kraft der Musik und Kunst, selbst in schwierigen Lebensumständen. Musik wurde als Möglichkeit betrachtet, das Leben der Insassen zu bereichern, Trost zu spenden und Hoffnung zu vermitteln.

„Zeig mir deine Wunden“ – Bach berührt. Unter diesem Motto erklingen im Dom St. Marien in Hamburg drei Passionen von Johann Sebastian Bach unter Mitwirkung renommierter Chöre, Ensembles und Solisten. Dabei schlagen rund 250 Schüler und Schülerinnen aus sechs Schulen mit Unterstützung des Kulturforums21 nach intensiver Auseinandersetzung mit den Passionstexten Brücken zu unserer heutigen Lebenswelt – auch über Social Media. Und die Musik spricht uns unmittelbar an und berührt, wo wir verletzlich sind.  

Mutig und radikal 

Wieviel Stärke braucht es, gesellschaftliche Erwartungen zu brechen und unkonventionelle Wege zu beschreiten? Wie kann man unbeirrt gegen vorgezeichnete gesellschaftliche Regeln verstoßen und dazu gegen die eigenen Bedürfnisse nach Sicherheit und Zugehörigkeit leben? 
Mit der Hauptfigur Elisabeth tritt im romantischen Schlüsselwerk Franz Liszts Die Legende der heiligen Elisabeth eine Frau ins Zentrum, die – als Vierjährige bereits verlobt und fernab der ungarischen Heimat aufwachsend – selbstbewusst und zielstrebig ihren eigenen Weg geht, die gegen die Widerstände der Ständegesellschaft dem Reichtum entsagt und so die bestehenden Verhältnisse auf den Kopf und in Frage stellt. Radikale Nächstenliebe und kompromisslose Hingabe leiten die adlige Elisabeth von Thüringen. Ist das schon religiöser Fanatismus oder einfach Mut?  

Weihnachten mit Familie Bach

Bachs H-Moll-Messe zählt in Dimension und Schönheit zu den beeindruckendsten Meisterwerken der Musikgeschichte. In der Saison 2025/26 der Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Akademie Hamburg, die unter dem Motto »Woran glauben wir (noch)?« steht, darf dieses tiefe Glaubensbekenntnis Bachs nicht fehlen. Das Werk wurde ursprünglich für den liturgischen Gebrauch komponiert, ist aber aus den großen Konzertsälen längst nicht mehr wegzudenken.

Wenn die Tage kürzer werden und kühle Winde über das Land fegen, erwacht die Sehnsucht nach dem Zauber von Weihnachten. Der kalte Winter und seine geheimnisvolle Welt wärmt uns in den Weihnachtstagen nirgendwo so sehr wie in den Geschichten von Astrid Lindgren. Da gibt es viel Schnee, Pelle und seine Familie, eine  berschaubare, dörfliche Welt – gleichermaßen erzählt für Kinder und Erwachsene.  Sie sind voll überraschender kleiner Weisheiten und beobachten uns unvollkommene Menschen doch sehr genau.

Außer nach Wärme sehnt sich der Mensch zum Jahresende auch nach Lachen und Leichtigkeit. Das bringen uns die weihnachtlichen, meist aus dem alltäglichen Leben so vertrauten Geschichten von Jan Weiler und Axel Hacke, in denen sich jeder wiederfinden kann. Dazu gibt’s noch Überraschungen, die zu Weihnachten natürlich nicht fehlen dürfen.

Im Konzertprogramm »Nordische Weihnacht« lassen Weihnachtserzählungen aus dem Norden, vorgetragen von  Publikumsliebling Axel Milberg, festliche Trompetenklänge und stimmungvolle Chormusik mit weihnachtlichen Motetten und Liedern aus der Zeit der Romantik (u.a. Mendelssohn-Bartholdy, Silcher, Brahms, Bruch, Humperdinck und Reger) die besinnliche Welt nordischer Traditionen lebendig und die Freude und Wärme der Weihnachtszeit spürbar werden.

Wenn die Tage kürzer werden und kühle Winde über das Land fegen, erwacht die Sehnsucht nach dem Zauber von Weihnachten. Der kalte Winter und seine geheimnisvolle Welt wärmt uns in den Weihnachtstagen nirgendwo so sehr wie in den Geschichten von Astrid Lindgren. Da gibt es viel Schnee, Pelle und seine Familie, eine  berschaubare, dörfliche Welt – gleichermaßen erzählt für Kinder und Erwachsene.  Sie sind voll überraschender kleiner Weisheiten und beobachten uns unvollkommene Menschen doch sehr genau.

Außer nach Wärme sehnt sich der Mensch zum Jahresende auch nach Lachen und Leichtigkeit. Das bringen uns die weihnachtlichen, meist aus dem alltäglichen Leben so vertrauten Geschichten von Jan Weiler und Axel Hacke, in denen sich jeder wiederfinden kann. Dazu gibt’s noch Überraschungen, die zu Weihnachten natürlich nicht fehlen dürfen.

Im Konzertprogramm »Nordische Weihnacht« lassen Weihnachtserzählungen aus dem Norden, vorgetragen von  Publikumsliebling Axel Milberg, festliche Trompetenklänge und stimmungsvolle Chormusik mit weihnachtlichen Motetten und Liedern aus der Zeit der Romantik (u.a. Mendelssohn-Bartholdy, Silcher, Brahms, Bruch, Humperdinck und Reger) die besinnliche Welt nordischer Traditionen lebendig und die Freude und Wärme der Weihnachtszeit spürbar werden.

Dunkel. Dramatisch. Mitreißend.

Was passiert, wenn Musik Tod, Trauer und Triumph zugleich spürbar macht? Wenn Noten Fragen stellen, die eine Worte beantworten. Dann ist man mittendrin: im Kosmos von Wolfgang Amadeus Mozart. Das Requiem ist ein Vermächtnis Mozarts – dramatisch und unfertig, denn das Requiem in d-Moll wurde zu Mozarts eigenem Requiem, da er bereits während der Komposition des Auftragswerkes schwer erkrankte und im Dezember 1791 verstarb. Die Totenmesse, in der für Mozart seltenen Tonart d-Moll geschrieben, zählt dennoch zu den bekanntesten und beliebtesten seiner Kompositionen. Hier geht es um Religion und um die großen Fragen des Lebens. Dabei wird – anders als in früheren Kompositionen – nicht die solistische Virtuosität in den Vordergrund gerückt, sondern ein vierstimmiger Chor. Selbst das Solistenquartett tritt hier meist als Ensemble auf.

Das darüber hinaus im Konzert erklingende Kyrie in d-Moll (Münchner Kyrie) fällt von der Entstehungszeit ebenfalls in Mozarts letzte Lebensjahre, in denen er sich nachweislich verstärkt der Sakralmusik widmete. Auch Mozarts Sinfonie Nr. 40 in g-Moll gehört zu den mitreißendsten Werken des Komponisten. Allein das Eröffnungsmotiv hat großen Erkennungswert. Noch heute finden sich Ausschnitte der zeitlosen Komposition in Pop-Arrangements und Handy-Klingeltönen wieder. Mit geschickter Kompositionstechnik zeigt Mozart im Werk eindrucksvoll Licht und Schatten, emotionale Tiefe, Dramatik, Ruhelosigkeit und melancholische Schönheit.